Recuerdos elegidos

La exposición más reciente del MoMA se abre con un cautivador video de una línea de flotación, desviándose violentamente de un lado a otro como un pequeño blanco el barco se aleja sin rumbo fijo de la costa, llevando dos palmeras que se balancean como velas improvisadas. Evoca una sensación de resiliencia que emana tiernamente contra los desorientadores virajes de las olas. El título de la obra de arte de apertura, Herança (Patrimonio) (2007), de Thiago Rocha Pitta, habla directamente de la idea del conocimiento heredado y el peso incómodo de los legados del pasado. Esta es una línea general de la exposición, que presenta una selección de una importante donación de arte latinoamericano contemporáneo realizada por la administradora Patricia Phelps de Cisneros en diálogo con obras extraídas de la colección del MoMA. Muestra exploraciones contemporáneas en historias colectivas o, como dice el título de la exposición, "recuerdos elegidos". A pesar de la amplia temática, la exposición está estrictamente curada por Inés Katzenstein, reuniendo a cuarenta artistas que retroceden en el tiempo para argumentar que la historia, de lo colonial a lo moderno, de lo individual a lo colectivo, no es fija, sino que se cuestiona y construye activamente.

La exposición toma como punto de partida modos heredados de representar la naturaleza, los paisajes y las características topográficas, incluido el uso de mapas. Considera las formas en que los relatos coloniales de la tierra han influido en estos modos, como se ve en Sin título (Terra Nova) de Firelei Báez (2020). La pintura se basa en un mapa atlas de 1541, que presenta viñetas de nativos caníbales, flora, fauna y anotaciones sobre el descubrimiento de "La Española" (ahora República Dominicana). Inspirada en el mito de la Ciguapa, una criatura híbrida de pelo anudado se agacha en el centro, adornada con plantas frondosas parecidas a las orquídeas. La figura amenazante personifica la atracción conjunta de los colonizadores y el miedo a las culturas desconocidas. Untitled (1990) de Claudio Perna, una fotografía de un semimeridiano sin globo (realizada en colaboración con Abel Naím), acaba con el atlas mundial. Nos recuerda la complicada relación entre la representación y la verdad, así como las formas en que nuestras percepciones del mundo están moldeadas por las herramientas y los sistemas que usamos para entenderlo.

Algunos artistas trabajan desde y contra arquetipos infieles de la región. Para Secretos de la Amazonía (2011), Gilda Mantilla y Raimond Chaves desmantelan la mirada colonial emparejando citas de un texto homónimo de 1981 sobre la vida en lugares "semi-civilizados" con fotografías en blanco y negro de la Amazonía, desprovista de lo pintoresco. . La noción de los trópicos hermosos y peligrosos permanece cercana a las cuatro fotografías de paisajes urbanos de Suwon Lee, cuyos títulos invocan y neutralizan el potencial de exotización. En Purple Haze (2011), el horizonte de São Paulo, excluyendo cualquier estructura icónica, está bañado por una niebla lila que satura la imagen con un suave romanticismo. Su fotografía de Caracas se desvía de la característica topológica clave de la ciudad de la montaña El Ávila. A pesar de su sugerente título, La ciudad más peligrosa del mundo (2011) revela un delicado resplandor que emana de Petare, el barrio más grande de Caracas y uno de los barrios más pobres de América, subvirtiendo las expectativas comunes de precariedad. Tales paradojas de los trópicos —peligrosos, hermosos y absolutamente seductores— guían la lógica a través de la cual muchos artistas exhibidos filtran sus exploraciones artísticas, subvirtiendo clichés de representación para ilustrar nociones preconcebidas de América Latina.

Frente al paisaje de Caracas de Suwon Lee —tanto conceptual como espacialmente— se encuentra Mouse Pad (1999–2000) de Luis Molina-Pantin, una foto ampliada de un mousepad con una imagen similar a una postal de la montaña El Ávila. La imagen del paisaje que circula como recuerdo y que debe ser cubierta por un controlador de computadora, ha sido redimensionada y transformada en una obra de arte, recuperando así un cierto estatus como arte del paisaje. El mousepad, ahora considerado un accesorio tecnológico algo obsoleto, se alinea con los objetos archivables explorados en otras obras de arte dentro de la exposición. Por ejemplo, 122 Ofrendas para la Lluvia en el Museo Peabody (2021) de Gala Porras-Kim hace un inventario de las ofrendas textiles al dios maya de la lluvia Chaac, almacenadas fuera de la vista y conservadas por el museo, a través de dibujos esquemáticos de grafito. Este gesto restaura estos elementos a través de su reproducción, lo que les permite ingresar a la colección del MoMA en forma de un archivo reconstruido. Se trata de un tipo de arte que trabaja y juega en contra de la lógica y los sistemas de los museos al rescatar la visibilidad de los hitos y artefactos latinoamericanos, incluso aquellos que, paradójicamente, ya forman parte de una colección de museo.

Una variedad de obras de arte hacen eco de prácticas ancestrales y tradiciones indígenas, desarrollándose en una práctica contemporánea de animar y reconocer el patrimonio cultural que históricamente ha sido subestimado. Con líneas intrincadas y detalladas, siete obras en papel del artista yanomami Sheroanawe Hakihiiwe exploran la interacción entre los aspectos cósmicos y materiales de la cosmovisión de su comunidad, revelando una profunda conexión entre la naturaleza, la espiritualidad y la vida cotidiana. Las tradiciones gráficas de la pintura corporal y la cestería se traducen hábilmente en papel, invitándonos a explorar la interacción de la tradición cultural y la expresión artística contemporánea. Por su parte, el video FOODTOPIA: después de todo territorio (2021) de Las Nietas de Nonó vislumbra un futuro donde los conocimientos ancestrales y las prácticas sostenibles sirven como base para el equilibrio ecológico y el bienestar colectivo.

En su pieza de vídeo Apuntes sobre el límite del mar (2011), Maria Laet hilvana sobre la playa una línea de hilo que marca la bajamar, un gesto interminable y efímero que acabará por desaparecer. Expone lo absurdo de los límites invisibles que construimos, que a menudo son precarios y mutables. Aline Motta (Outros) Fundamentos (2017-19) explora las conexiones intangibles que trascienden las fronteras naturales y artificiales, utilizando su propio viaje entre Brasil y África Occidental para reflexionar sobre la pertenencia y las consecuencias de la ruptura de los lazos con las patrias. El video presenta una cautivadora serie de escenas con espejos de mano y de cuerpo entero, así como lagos, ríos y mares, que reflejan su entorno y evocan imágenes paralelas a través de costas distantes. Este evocador montaje captura el profundo anhelo de plasmar la propia imagen en orígenes lejanos. La pieza sugiere que la búsqueda de la identidad no requiere necesariamente que uno busque una identidad singular y fija arraigada en el pasado. En cambio, abarca encontrar resonancia con otros más allá de las fronteras.

En su conjunto, el programa llama al pasado para decir algo significativo sobre nuestro presente y futuro. Las historias de América Latina son fácilmente problematizadas y permanecen siempre complejas. Aunque el título de la muestra, Chosen Memories, puede otorgar a sus artistas una mayor agencia, también ilustra el desafiante terreno de los debates en curso sobre la preservación cultural, la identidad y las narrativas multifacéticas que dan forma a nuestra comprensión de la región. La exhibición del MoMA nos recuerda cuán importante es involucrarse activamente con la historia, no solo como un observador pasivo sino como un agente de transformación, trabajando hacia un futuro que refleje nuestros valores y aspiraciones colectivas.

Clara María Apostolados es un curador y escritor residente en Nueva York. Ha publicado trabajos en Artsy, Cultured Magazine y Vistas.